Scorsese: «muchas películas son productos fabricados para el consumo inmediato»

6 noviembre 2019

NYT | En el día de ayer, Martin Scorsese publicó un ensayo en el New York Times donde quiso abordar y aclarar sus polémicas declaraciones sobre las películas de Marvel. Hace unas semanas dijo que no las consideraba cine, y ahora, en un artículo extenso, el director explica y defiende sus palabras.

Scorsese habla de cine y entretenimiento para diferenciar entre lo que él considera arte y lo que no es más que un espectáculo, y lo hace, obviamente, para hablar de Disney y otros gigantes de la industria cuyo poder financiero, a su parecer, está girando la balanza hacia el puro entretenimiento por encima del “cine”.

En el extenso artículo también aborda la llegada del streaming, y aunque él mismo acepta el nuevo escenario (está a punto de estrenar The Irishman en Netflix), no deja de ser contradictorio que censure esta nueva vía. Lo hace porque, a su modo de ver, el cine y las películas son una experiencia que debe comenzar en la gran pantalla.

Lo cierto es que si el ensayo lo escribiera el director de Drive, Nicolas Winding Refn, probablemente sería crucificado, pero lo hace uno de los grandes genios vivos del cine, y solo por eso creo que es una lectura obligada.

Les dejamos con la transcripción:

Cuando estuve en Inglaterra a principios de octubre concedí una entrevista a la revista Empire. Me hicieron una pregunta sobre las películas de Marvel. Las contesté. Dije que he intentado ver algunas de ellas y que no son para mí, que me parecen más cercanas a los parques temáticos que a las películas como las he conocido y amado a lo largo de mi vida, y que al final, no creo que sean cine.

Algunas personas parecen haber tomado la última parte de mi respuesta como un insulto, o como una prueba de odio hacia Marvel por mi parte. Si alguien está decidido a caracterizar mis palabras bajo esa luz, no hay nada que pueda hacer para interponerme en el camino.

Muchas de las películas de franquicias son realizadas por personas con un talento y una maestría considerables. Lo puedes ver en la pantalla. El hecho de que las películas en sí no me interesen es una cuestión de gusto y temperamento personal. Sé que si yo fuera más joven, si hubiera llegado a la mayoría de edad más tarde, podría haberme entusiasmado con ellas y hasta podría haber querido hacer una yo mismo. Pero crecí cuando lo hice y desarrollé un sentido de las películas – de lo que eran y de lo que podrían ser – que estaba tan lejos del universo de Marvel como nosotros en la Tierra estamos de Alpha Centauri.

Para mí, para los cineastas que amé y respeté, para mis amigos que empezaron a hacer películas en la misma época que yo, el cine era una revelación, una revelación estética, emocional y espiritual. Se trataba de personajes – la complejidad de las personas y su naturaleza contradictoria y a veces paradójica, la forma en que pueden herirse y amarse unos a otros y de repente encontrarse cara a cara consigo mismos.

Se trataba de confrontar lo inesperado en la pantalla y en la vida que dramatizaba e interpretaba, y de ampliar el sentido de lo que era posible en la forma artística.

Y esa era la clave para nosotros: era una forma de arte. En aquel momento hubo un debate al respecto, por lo que defendimos el cine como un equivalente a la literatura, la música o la danza. Y llegamos a comprender que el arte se podía encontrar en muchos lugares diferentes y en tantas formas como en “The Steel Helmet” de Sam Fuller y “Persona” de Ingmar Bergman, en “It’s Always Fair Weather” de Stanley Donen y Gene Kelly y “Scorpio Rising” de Kenneth Anger, en “Vivre Sa Vie” de Jean-Luc Godard y “The Killers” de Don Siegel.

O en las películas de Alfred Hitchcock, supongo que se podría decir que Hitchcock era su propia franquicia. O que era nuestra franquicia. Cada nueva película de Hitchcock era un evento. Estar en un auditorio abarrotado en uno de los antiguos teatros viendo “Rear Window” fue una experiencia extraordinaria: Fue un evento creado por la química entre el público y la propia película, y fue electrizante.

Y en cierto modo, algunas películas de Hitchcock también eran como parques temáticos. Pienso en “Strangers on a Train”, en el que el clímax tiene lugar en un tiovivo en un parque de atracciones real, y “Psycho”, que vi en un espectáculo de medianoche en su estreno, una experiencia que nunca olvidaré. La gente se sorprendió y se emocionó, y no se decepcionó.

Sesenta o setenta años después, todavía estamos viendo esas películas maravillados con ellas. ¿Pero son solo las emociones por lo que volvemos? No creo que sea así. Los encuadres de “North by Northwest” son impresionantes, pero no serían más que una sucesión de composiciones y cortes dinámicos y elegantes sin las emociones dolorosas en el centro de la historia o la absoluta pérdida del personaje de Cary Grant.

El clímax de “Strangers on a Train” es una hazaña, pero es la interacción entre los dos personajes principales y la actuación profundamente inquietante de Robert Walker lo que sigue resonando.

Algunos dicen que las películas de Hitchcock tenían una similitud entre ellas, y quizás eso es cierto – el propio Hitchcock se preguntaba al respecto. Pero en las películas de franquicia de hoy es otra cosa. Muchos de los elementos que definen al cine tal y como lo conozco están en Marvel pictures. Lo que no existe es revelación, misterio o peligro emocional genuino. Nada está en riesgo. Las escenas están hechos para satisfacer un conjunto específico de demandas, y están diseñadas como variaciones sobre un número finito de temas.

Son secuelas de nombre pero son remakes de espíritu, y todo lo que hay en ellas está oficialmente aprobado porque no puede ser de otra manera. Esa es la naturaleza de las franquicias cinematográficas modernas: investigadas en el mercado, probadas por el público, examinadas, modificadas, revestidas y remodeladas hasta que están listas para su consumo.

Otra forma de decirlo sería que son todo lo que las películas de Paul Thomas Anderson o Claire Denis o Spike Lee o Ari Aster o Kathryn Bigelow o Wes Anderson no son. Cuando veo una película de cualquiera de esos cineastas, sé que voy a ver algo absolutamente nuevo y ser llevado a áreas de experiencia inesperadas e incluso innombrables. Mi sentido de lo que es posible contar en historias con imágenes y sonidos en movimiento se va a ampliar.

Así que, podrías preguntarte, ¿cuál es mi problema? ¿Por qué no dejar que las películas de superhéroes y otras películas de franquicia lo sean? La razón es simple. En muchos lugares de este país y de todo el mundo, las películas de franquicias son tu primera opción si quieres ver algo en la pantalla grande. Es una época peligrosa en la exhibición de películas, y hay menos cines independientes que nunca. La ecuación se ha invertido y el streaming se ha convertido en el principal sistema de entrega. Aún así, no conozco a ningún cineasta que no quiera diseñar películas para la gran pantalla, para ser proyectadas ante el público en los cines.

Eso me incluye a mí, y hablo como alguien que acaba de completar una para Netflix. Eso, y sólo eso, nos permitió hacer “The Irishman” de la manera que quería, y por eso siempre estaré agradecido. Tenemos una ventana nueva, lo cual es genial. ¿Me gustaría que la imagen se reproduzca en más pantallas grandes durante más tiempo? Por supuesto. Pero no importa con quién hagas tu película, el hecho es que las pantallas de la mayoría de los multicines están repletas de películas de franquicia.

Y si me vas a decir que es simplemente una cuestión de oferta y demanda y de darle a la gente lo que quiere, no estoy de acuerdo. Es un asunto de gallina y huevo. Si a la gente se le da un solo tipo de cosas y se le vende infinitamente un solo tipo de cosas, por supuesto que van a querer más de ese tipo de cosas.

Pero, se podría argumentar, ¿no pueden ir a casa y ver cualquier otra cosa que quieran en Netflix, iTunes o Hulu? Claro, en cualquier lugar menos en la pantalla grande, donde el cineasta quería que se viera su película.

En los últimos 20 años, como todos sabemos, el negocio del cine ha cambiado en todos los frentes. Pero el cambio más ominoso se ha producido de forma sigilosa y al amparo de la noche: la eliminación gradual pero constante del riesgo. Hoy en día, muchas películas son productos perfectos fabricados para el consumo inmediato. Muchos de ellos están bien hechos por equipos de individuos talentosos. Sin embargo, carecen de algo esencial para el cine: la visión unificadora de un artista individual. Porque, por supuesto, el artista individual es el factor más arriesgado de todos.

Ciertamente no estoy insinuando que las películas deban ser una forma de arte subsidiada, o que alguna vez lo hayan sido. Cuando el sistema de estudios de Hollywood todavía estaba vivo y bien, la tensión entre los artistas y la gente que dirigía el negocio era constante e intensa, pero fue una tensión productiva que nos dio algunas de las mejores películas jamás realizadas – en palabras de Bob Dylan, las mejores “heroicas y visionarias”.

Hoy en día, esa tensión ha desaparecido, y hay algunos en el negocio con absoluta indiferencia hacia la cuestión del arte y una actitud hacia la historia del cine que es a la vez desdeñosa y propietaria – una combinación letal. La situación, lamentablemente, es que ahora tenemos dos campos separados: Hay entretenimiento audiovisual en todo el mundo, y hay cine. Todavía se superponen de vez en cuando, pero eso es cada vez más raro. Y me temo que el dominio financiero de uno está siendo utilizado para marginar e incluso menospreciar la existencia del otro.

Para cualquiera que sueñe con hacer cine o que esté empezando, la situación en este momento es brutal e inhóspita para el arte. Y el simple hecho de escribir estas palabras me llena de una tristeza terrible.